Rafael Junchaya en "November Music"

El próximo 19 de noviembre, la obra "Tres Danzas Episkénicas" del compositor peruano Rafael Junchaya será interpretada por el Trío Thelema en el marco del Festival "November Music 2006". Este importante festival dedicado a la música contemporánea se realizará este año en tres países: Bélgica, Alemania y Holanda.

El Trío Thelema se presentará en Holanda a las 4:00 pm, y en su programa incluyen el estreno mundial de los compositores Nicoline Soeter ("Witte Stof" - Holanda), Mathis B. Nitschke ("Si j'avais envie d'etre heureux" - Alemania) y Ward de Vleeschhouwer ("Skellig Monks" - Bélgica).

"Tres Danzas Episkénicas" fue compuesta para el Trío Thelema en el 2005, y ha sido interpretada por este ensamble en Perú, Bélgica y Estados Unidos.

Felicitaciones a Rafael por esta positiva noticia!

Seminario: "Latinoamérica y la vanguardia musical"

Jaime Oliver nos
envía gentilmente esta información:

Seminario en octubre: 12, 17, 18, 24, 26 y
31

"Latinoamérica y la vanguardia musical"

Debido a una serie de cambios en los planteamientos tradicionales de la música del siglo XX, que tuvo como correlato las vanguardias de la segunda post-guerra, en los años 50 y 60 tuvo lugar una etapa de renovación musical y plástica en el mundo.

Muy poco se ha escrito sobre la producción en torno a la música electrónica de vanguardia en Latinoamérica. Su historia es muy amplia y se encuentra marcada por una serie de cambios políticos, económicos, ideológicos y científicos. En Chile y Argentina, por iniciativa del Estado, se produjeron composiciones caracterizadas por presentar elementos electrónicos y multimedia, que involucraron danza, teatro y proyecciones en vivo. Estas piezas sonoras fueron hechas desde 1950 en talleres y laboratorios experimentales de sonido. Desde espacios como el Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires y el Taller Experimental de Sonido de la
Universidad Católica de Chile se fomentaron el uso de nuevos lenguajes musicales,
además de ser puntos de encuentro de toda una generación de nuevos compositores.

Para las próximas fechas, a través del seminario: �Latinoamérica y la Vanguardia Musical� seremos partícipes de la experiencia latinoamericana en torno a las primeras manifestaciones de la música electrónica y de vanguardia.

Este seminario parte de la investigación realizada por Luis Alvarado acerca de las Vanguardias musicales en el Perú y Latinoamérica. Contaremos con la presencia de reconocidos compositores y teóricos de Argentina, Chile, Ecuador y Perú.

Participaran:

Edgar Valcárcel (Perú)

Leopoldo la Rosa (Perú)

José Javier Castro (Perú)

Luís Alvarado (Perú)

Miguel López (Perú)

Daniel Varela (Argentina)

Francisco Kröpfl (Argentina)

Federico Schumacher (Chile)

José Vicente Asuar (Chile)

Mesías Maiguashca (Ecuador)

Lugar: Centro Fundación Telefónica

Espacio: Sala plasma

Dirección: Av. Arequipa 1155, Lima

Ingreso previa inscripción. Inscríbete aquí.

Adjuntar currículum vitae

Cupo limitado, se reconfirmara asistencia

Jueves 12 de Octubre / 7pm

Primer fecha: "Vanguardias musicales en el Perú"

Participan: Luís Alvarado, José Javier Castro, Edgar Valcárcel y Leopoldo la Rosa

Descripción:

El seminario se inicia con el primer conversatorio "Vanguardias musicales en el Perú", en el que Luis Alvarado (investigador), Jose Javier Castro (músico), Edgar Valcárcel (músico y compositor) y Leopoldo la Rosa (músico y compositor) nos hablaran sobre la Generación de los 50�s, constituida por compositores peruanos que experimentaron con los nuevos lenguajes musicales propios de la música electrónica.

En cierto modo, la vanguardia musical en el Perú es una historia de exilios y viajes que generaron intercambios culturales, siendo esta una buena oportunidad para poder encontrarnos con nuestro pasado musical.

Martes 17 de Octubre / 5pm

Segunda fecha: "Latinoamérica, la Vanguardia y
el Di Tella"

Participa: Francisco Kröpfl (Argentina) Modera: Luis Alvarado (Perú)

Descripción:

Desde šEspacioš (Fundación Telefónica de Argentina), Francisco Kröpfl (compositor y teórico, recientemente homenajeado en Argentina) nos hablará de su formación y experiencia en la dirección de uno de los principales centros de producción musical en Latinoamérica, el Instituto DiTella de Buenos Aires. En el DiTella se produjeron un buen número de composiciones que actualmente circulan como piezas representativas de la historia de la música electroacústica en Latinoamérica.

En 1967, Francisco Kröpfl, asume la dirección del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Torcuato Di Tella. Ubicado en Buenos Aires, el Di Tella fue el punto de reunión para toda una generación de nuevos músicos latinoamericanos. Jóvenes compositores realizaron sus primeras experiencias musicales en torno a las posibilidades que les brindaban los medios electrónicos de aquella época. Los estudios gozaron de un enorme prestigio e incluían seminarios dados por compositores como Luigi Nono e Iannis Xennaquis.

Miércoles 18 de Octubre / 3pm

Tercer fecha: "Música Experimental con medios
Electroacústicos: Una perspectiva Crítica".

Participa Daniel Varela (Argentina) y moderador Luís Alvarado (Perú)

Descripción:

Esta ponencia, dirigida por Daniel Varela (crítico de música argentino), propone una mirada sobre aquellos músicos que, valiéndose de medios tecnológicos han inventado sus propias soluciones a los problemas de crear música en las últimas décadas.

El paradigma de asociar recursos tecnológicos al concepto de vanguardia artística no tardó en generar actitudes que oscilan entre el conservadurismo y la frivolidad. Los años aportaron híbridos análogos-digitales, samplers, sistemas con inteligencia propia, programas en tiempo real �como los MAX y HMSL- y la lista sigue. La resultante accesibilidad de la producción de instrumentos hizo posible que cada autor se identificara con los medios y procedimientos que mejor lo representaban. El problema excede las críticas sobre si la música concreta es
referencial, figurativa o cinematográfica. Mientras se critica a la música interactiva o de live electronics de reproducir la situación de ejecutar instrumentos tradicionales, el exceso pseudocientífico propone el cálculo milimétrico de una obra en forma micro (sonido) y macro (forma) estructural.

Martes 24 de Octubre / 7pm

Cuarta fecha: "¿Vanguardia o internacionalismo?
Trayectos oblicuos de la Vanguardia Peruana"

Participan Luís Alvarado (Perú) y Miguel López (Perú)

Descripción:

Esta sesión buscará articular una mirada vivaz sobre algunos momentos culminantes de las vanguardia plástica peruana de los años 60�s, para generar luego reflexiones sobre los encuentros y divergencias con la llamada �vanguardia musical� peruana. Para ello el marco de lectura será tan internacional como local advirtiendo las transformaciones culturales que impulsarían globalmente una respuesta crítica frente a los habituales sistemas de representación, fundiendo experiencias disciplinarmente divergentes como el teatro, la música y las artes visuales.

El énfasis en el carácter experimental de la construcción de la obra será distinguido como una de las coordenadas de tránsito obligado para todo artista considerado entonces de vanguardia, intentando reconocer en estas proyecciones los indicios auténticamente críticos de una revolución en el campo del arte.

Jueves 26 de Octubre / 3 pm

Quinto día: "Asuar y las variaciones"

Participan José Vicente Asuar (Chile), Federico Schumacher (Chile) y modera Luís
Alvarado (Perú).

Descripción:

En esta fecha, realizaremos una videoconferencia con Federico Schumacher (compositor e investigador) desde la Fundación Telefónica de Chile. Ella tratara sobre inicios de la música electrónica en Chile, de la importante labor de José Vicente Asuar (compositor e investigador) en su desarrollo en la música electroacústica en chile en los últimos 20 años.

Jose Vicente Asuar, a inicios de los 50, trabajó con técnicas concretas de experimentación muy caseras, cuyo proceso de investigación desembocó en el �Taller experimental de sonido�, que tuvo lugar en la Universidad Católica de Chile. El Taller construye los primeros generadores electrónicos de sonido del país. Una de sus piezas mas representativas fue �Variaciones Espectrales� (1959), primer trabajo latinoamericano de sonidos originados por los nuevos medios electrónicos. En Alemania funda y dirige los estudios de música electrónica de
Karlsruhe (1960). Posteriormente, viaja a Venezuela (1966) donde construye el �Estudio de Fonología Musical� del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes.

Martes 31 de octubre (fecha tentativa)

Quinto día: Ecuador y Mesias Maiguashca

Participan: Mesías Maiguashca (Ecuador) y Luis Alvarado (Perú)

Descripción:

Este conversatorio nos acerca a la vida y obra de Mesías Maiguashca, músico y compositor ecuatoriano de trayectoria su ampliamente conocida en Europa, y figura representativa de la música electrónica en América Latina. Durante 1963 y 1964 estudió en el Instituto Di Tella. Desde 1966 hasta 1973 trabajó como asistente del Estudio de la Radio de Colonia con K. Stockhausen, una de las figuras centrales de la música del siglo XX.

CENTRO FUNDACION TELEFONICA

Av. Arequipa 1155, lima

Mayor información al 2101326

http://centro.fundaciontelefonica.org.pe

Homenaje a Celso Garrido Lecca en Chile

Video del homenaje a Celso Garrido Lecca en chile, con motivo de sus 80 años. Gracias a Kinua por pasarnos el dato de este video.

Resistencias: Primeras Vanguardias Musicales en el Perú

Jaime Oliver nos envía gentilmente esta información:

CENTRO FUNDACIÓN TELEFÓNICA Y ATA PRESENTAN LA MUESTRA ³RESISTENCIAS:PRIMERAS VANGUARDIAS MUSICALES EN EL PERÚ²

· ³Resistencias² rescata y pone en valor la obra de una generación de músicos peruanos de vanguardia internacionalmente reconocidos.

· Esta muestra es la segunda exposición del festival de arte sonoro VIBRA: Audio Lima Experimental, y en ella confluyen ciencia, arte y nuevas tecnologías en una perspectiva histórica.

· La exposición será complementada por actividades en donde dos generaciones de músicos, cada una desde sus vanguardias, se encontrarán en interesantes conciertos y seminarios.
Durante los años sesenta, la música a nivel mundial gozaba de un momento de esplendor por la aparición de grandes genios que hoy son parte del acervo cultural de occidente y parte de oriente. Personas de casi todas las latitudes cantaban, bailaban y pensaban al ritmo de los grandes de la música.

Estos años significaron una época de búsqueda y experimentación, gracias a nuevos conceptos y a nuevas tecnologías. Y la escena limeña no fue la excepción. Los años sesenta vieron surgir a una talentosa generación de músicos peruanos que experimentaron con los nuevos lenguajes desarrollados tras la segunda posguerra. Serialismo, aleatoriedad, electrónica,electroacústica e interdisciplinariedad, son las coordenadas de la creación musical de esa vanguardia peruana.
César Bolaños, Edgar Valcárcel, Olga Pozzi-Escot, Leopoldo La Rosa, Enrique Pinilla, Celso Garrido-Lecca, Alejandro Núñez Allauca, Walter Casas, entre otros, fueron quienes revolucionaron la historia de la música experimental nacional y dejaron una marca más allá de las fronteras del país.

El Centro Fundación Telefónica y la asociación Alta Tecnología Andina presentan la exposición Resistencias: Primeras vanguardias musicales en el Perú, como segunda muestra del festival de arte sonoro Vibra: Audio Lima Experimental.. Resistencias responde a la intención de poner al descubierto la importancia, de carácter nacional e internacional, que tuvo la existencia de esta generación de compositores académicos experimentales peruanos, que estuvo intensamente activa en la década de 1960, y que hoy pasa desapercibida para el público.

Los asistentes a la Sala Paréntesis del Centro Fundación Telefónica serán partícipes de una experiencia en donde podrán ver, escuchar y aproximarse al mundo de estos músicos, a través de documentos sonoros tales como grabaciones digitalizadas por primera vez a partir de las cintas de carrete originales; y de documentos gráficos, como fotografías, programas, recortes periodísticos y partituras. Además, un video con entrevistas a los compositores permitirá conocer el contexto en el que se desarrolló esta generación, marcada por una renovación musical de la música erudita en Latinoamérica.

Actividades complementarias Para complementar Resistencias, el Centro Fundación Telefónica presentará un seminario sobre vanguardias musicales en Latinoamérica y un concierto concomposiciones e interpretaciones hechas por peruanos.

Seminario ³Latinoamérica y la vanguardia musical² Los días 12, 17, 18, 24, 26 y 31 de octubre el Centro Fundación Telefónica presenta este seminario a través del cual el público asistente conocerá la experiencia latinoamericana en torno a las primeras manifestaciones de la música electrónica y de vanguardia a partir de los años cincuenta. Este seminario parte de la investigación realizada por Luis Alvarado acerca de las vanguardias musicales en el Perú y Latinoamérica. Contará con la presencia de reconocidos compositores y teóricos de Argentina, Chile, Ecuador y Perú, como Edgar Valcárcel (Perú), Leopoldo la Rosa (Perú), JoséJavier Castro (Perú), Luis Alvarado (Perú), Daniel Varela (Argentina), Francisco Kröpfl (Argentina), Federico Schumacher (Chile), Mesías Maiguashca (Ecuador).
Lugar: Centro Fundación Telefónica
Dirección: Av. Arequipa 1155, Lima
Ingreso gratuito, capacidad limitada.
Inscríbete enwww.centro.fundaciontelefónica.org.pe

TributoAdaptación de Intihuatana para cuarteto de cuerdas (1967), de Celso Garrido-Lecca, que interpretarán los guitarristas eléctricos Valentín Yoshimoto, Tete Leguía, Paulo Novoa y Renzo Gianella, dirigidos por el joven músico Juan Carlos Rivera. Asimismo, José Javier Castro interpretará la adaptación de Interpolaciones para guitarra eléctrica y cinta magnetofónica (1966), de César Bolaños.
Fecha: Viernes 27 de Octubre
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Centro Fundación Telefónica
Ingreso libre, capacidad limitada

Además, en octubre y noviembre, VIBRA: Audio Lima Experimental contará con la participación de algunos de los representantes más importantes de la historia de la música experimental de Norteamérica desde 1955, como Charlemagne Palestine (E.E.U.U), y el grupo Black Dice (E.E.U.U), quienes caracterizan lo más notable del arte sonoro experimental de la actualidadmundial.

Ficha técnica de ³Resistencias: Primeras vanguardias musicales en el Perú²Curador: Jorge VillacortaInvestigador: Luis AlvaradoProductor: José Javier Castro
Sobre el Festival VIBRA: Audio Lima ExperimentalVIBRA: Audio Lima Experimental (23 de agosto al 7 de noviembre) es un festival de arte sonoro y nuevos medios organizado por el Centro Fundación Telefónica y la asociación civil Alta Tecnología Andina. El curador del festival y sus actividades es el reconocido crítico de arte Jorge Villacorta.

VIBRA: Audio Lima Experimental es un conjunto de experiencias de audio y documentación sonora que difunde y relaciona diferentes modos de escuchar dentro del universo que nos rodea. Las actividades del festival giran en torno a revelar la importancia del sonido en nuestras vidas, así como en la creación artística, y refuerzan el concepto de arte, ciencia y nuevas tecnologías a través de exposiciones, talleres y conciertos.

El Festival se realiza en el Centro Fundación Telefónica, el cual está abierto al servicio de la comunidad de lunes a sábado de 12.00 m. a 9.00 p.m. (a excepción del miércoles que está cerrado) y los domingos de 12.00 m. a 7.00 p.m. El ingreso para todas las actividades es gratuito y la capacidad limitada. Además, se puede acceder al Centro a través de http://centro.fundaciontelefonica.org.pe/

Los 70 años de Steve Reich

Steve Reich, quien muchos consideran es el más grande compositor vivo norteamericano, cumplió 70 años el pasado 3 de octubre. Con este motivo se están realizando una serie de actividades agrupadas bajo el título de "Steve Reich @ 70". Pueden encontrar más información sobre estas actividades en este enlace.

Sitio web dedicado a la venta de partituras

Gracias a Therestisnoise, el blog de Alex Ross, nos enteramos de la aparición de un sitio web dedicado a la venta de partituras. Studyscores.com es un producto de Amazon.com.

Ganadores del concurso de composición del Conservatorio Nacional de Música

Acabo de enterarme de los resultados del concurso de composición del Conservatorio Nacional de Música. El primer puesto es para Rafael Junchaya. El segundo puesto es para Daniel Sierra. Ambos compositores participaron con composiciones para orquesta sinfónica, de las cuales seguramente tendremos más noticias pronto. Felicitaciones a ambos por este triunfo!

(Nota de Gato Negro): Sadiel omitió mencionar que él mismo fue galardonado con una mención honrosa en el mismo concurso.

100 años de Oliver Messiaen

Rafael Junchaya nos envía gentilmente esta información.

En el 2008 se cumplen 100 del nacimiento de Olivier Messian, por lo que la U de Boston está preparando una página en http://www.oliviermessiaen.net como parte del proyecto que tiene para su homenaje. Aún está en construcción pero no la piedan de vista, pues promete tener info interesante.

Circomperistas en Wikipedia

Un usuario de wikipedia que usa el seudónimo "Subitosera" ha estado trabajando en una serie de artículos relacionados a la música clásica europea en el Perú. Dentro de esos artículos figuran varios sobre compositores miembros de Circomper. Gracias Subitosera por tu trabajo. En este enlace pueden ver la lista completa de compositores peruanos en wikipedia en español. A continuación los enlaces a compositores integrantes de circomper en wikipedia en español.

• Rajmil Fishman
• Antonio Gervasoni
• Rafael Junchaya Rojas
• Jimmy López
• Pedro Malpica
• Federico Tarazona
• Fernando Valcárcel
• Jorge Villavicencio

El sueldo de Mahler

A modo de anecdota, en este enlace pueden leer una breve nota al respecto del sueldo de Mahler como director de orquesta. Cortesía the The Rest is Noise.

El fin de la incultura

Es muy importante terminar con la incultura. No, no con lo que esa palabra representa, sino con la palabra en sí. Debemos desterrarla de nuestras conversaciones, encerrarla en un calabozo y destruir la llave, porque su uso conlleva muchas desventajas. Y sobre todo porque representa algo que no existe.

Para entender el alcance del parrafo anterior es necesario revisar el concepto al que la palabra "incultura" se opone: la cultura. En el año 2002 la UNESCO definía la cultura de esta forma:

"... la cultura debe ser entendida como un conjunto de características espirituales, materiales, intelectuales y emocionales distintivas de una sociedad o grupo social, y comprenden, en adición al arte y la literatura, estilos de vida, formas de vivir juntos, sistemas de valores, tradiciones y creencias" (UNESCO. 2002. Declaración Universal de la Diversidad Cultural).

Siguiendo esta definición, la incultura debería ser la ausencia de dichas características en un grupo social. Pero no existen grupos sociales que no tengan particularidades espirituales, materiales, etc. propias. Por el contrario, son justamente esas características las que definen a cualquier grupo social. Es decir, la cultura es inherente a los grupos humanos. No existe la persona sin cultura.

El párrafo anterior de basa, sin embargo, en la definición de la UNESCO. ¿Es posible que dicha definición sea equivocada? ¿Por qué hizo la UNESCO esa deficinión en el año 2002? ¿Era necesaria una definición, no estaba claro ya en esa fecha qué era la cultura? ¿De dónde proviene el concepto "incultura", si tal cosa no existe?

La respuesta está en la historia del concepto "cultura". En la Europa de los siglos 18 y 19 se desarrolló una noción de cultura que identificaba el término con "civilización" y lo contrastaba con "naturaleza". Según esta visión algunos grupos humanos eran más civilizados que otros, lo cual constituía una justificación para las desigualdades de las sociedades europeas de esos siglos y para el colonialismo. La cultura y la civilización eran identificadas con bienes y actividades de élite como las obras de arte de los museos y la música clásica. Teóricos como Matthew Arnold (1822, 1888) se referían a la cultura de esta forma: "...siendo la cultura una búsqueda de nuestra total perfección por medio de conocer, en todos los asuntos que más nos interesen, lo mejor que ha sido pensado y dicho en el mundo" (Arnold, Matthew. 1869. Culture and Anarchy).

Esta noción de cultura ha sido abandonada posteriormente por los científicos sociales en favor del reconocimiento de la diversidad cultural. Sin embargo, la noción ha sobrevivido, particularmente entre las personas que consumen aquellos bienes que en el pasado pertenecían a las élites. Por eso todavía oimos hablar de la necesidad de "culturizar" al pueblo, ó escuchamos tildar a tal o cual persona de "inculto".

Es imposible "culturizar" a nadie, pues cada cual tiene su propia cultura. Por el mismo motivo no existen las personas "incultas". El uso de estas palabras nos pone en el inmediato riesgo de decir hablar cosas que no tienen relación con la realidad.

Pero este no es, en mi opinión, en mayor peligro. El uso del término incultura incluye la pretensión de que éxisten culturas mejores que otras. Esto entorpece el intercambio cultural dentro de nuestras sociedades, pues conduce al rechazo. Con nadie podré compartir mi cultura si va acompañada de la noción de que su cultura es inferior. Nadie podrá compartir su cultura conmigo si yo estoy convencido de que su cultura es inferior. En un caso mi cultura es rechazada y en el otro yo rechazo la cultura de otra persona. Esto conduce al empobrecimiento de información en nuestras sociedades, a la perdida de la diversidad cultural. Podemos evitarlo si abrimos nuestras mentes al intercambio con las diferentes subculturas con que convivimos diariamente.

Compositores recuerdan a Ligeti

En este enlace hay una interesante nota con tres compositores que recuerdan sus experiencias personales con Ligeti. Entre ellos figura Roberto Sierra.

Compositores en Marte

"En el Perú los compositores somos marcianos" declaró el maestro Celso Garrido lecca en una entrevista concedida al diaro la República el 13 de mayo del 2005. De esta manera el maestro señala la falta de reconocimiento que tiene la sociedad peruana para con los compositores de música clásica contemporánea en la actualidad. El problema existe desde hace mucho, y no es exclusivo del Perú. La composición de música clásica ha perdido presencia en nuestra civilización durante los dos últimos siglos, entre otros motivos por los procesos estéticos que la influyeron desde principios del siglo XX y el consecuente alejamiento del público de las salas de concierto. Ante esta problemática los compositores reclaman una mayor ayuda por parte del estado y se preguntan "¿Qué ha hecho la sociedad para integrar al compositor?". Ésta pregunta es, sin embargo, reversible. También podemos decir "¿Qué han hecho los compositores para integrarse a la sociedad?".

No es el caso que los compositores hayan permanecido inmóviles ante esta problemática. Es mucho lo que han trabajado para acercar al público a su obra. Pero el enfoque utilizado ha estado centrado en el compositor y en sus necesidades, y se ha interpretado la falta de interés del público como una falta de educación ó de cultura, cómo un defecto dentro de el público que hay que corregir. Creo que hay mucho qué ganar si ensayamos un enfoque distinto y tomamos en consideración también las necesidades del público. No sólo porque de ese modo creo que podremos obtener un público más receptivo a nuestra propuesta, sino porque ya existe evidencia de que el enfoque compositor-centrista no ha dado buenos resultados.

Para acercarnos al público debemos ante todo respetarlo. No debemos pensar en ellos como seres humanos incompletos educativa o culturalmente. Debemos confiar en su capacidad para decidir lo mejor para sí mismos por sí mismos. Un buen camino para lograr esto puede ser analizar aquella música que goza de mayor popularidad que la que nosotros escribimos. Si confiamos en el juicio del público, concluiremos que algo bueno tiene que existir en dicha música. Y si nos animamos a buscarlo sin prejuicios y con criterio exclusivamente técnico encontraremos muchas sorpresas agradables. La música popular contemporánea tiene una mayor riqueza que aquella que generalmente se le reconoce.

Si confiamos en nuestro público también concluiremos que nuestras composiciones no son música de masas. La cultura contemporánea hace una fuerte asociación entre la música y el baile, y la nuestra es más bien música para salas de concierto. Esta información no debe desanimarnos, por el contrario, nos da elementos de juicio para encontrar nuestro publico objetivo. Pero dicho público será pequeño en comparación al total de la sociedad.

Con lo cual estaríamos otra vez al principio de este artículo, componiendo música para una pequeña porción de la sociedad, y permaneciendo anónimos para la mayoría. No me parece un mal destino, pero no es el único camino. El compositor tiene mucho que aportar a la sociedad, más alla de sus obras. Existen muchos rubros de la actividad musical comercial donde los compositores tienen elementos para realizar un trabajo sobresaliente, como son por ejemplo la composición de música incidental para cine y teatro, he inclusive la composición de música para spots publicitarios. También está el campo de la educación musical escolar. Pero existen muchas otras posibilidades por explorar. Me interesan, por ejemplo, las posibilidades de interactuar con el público de la música rock, la confección de analisis técnicos que complementen la información sobre este género que circula actualmente. En suma, se trata de bajarse del pedestal, poner los pies en el suelo y reconocer a nuestros semejantes son como gente de nuestra misma altura. Se trata de alejarse un poco de marte y abrazar la tierra.

Philip Glass

Trabajando en la página de "Rostros" de Circomper, me detuve en una pregunta que me hizo meditar sobre un libro que recientemente estuve re-leyendo. El libro se titula "Writings on Glass" que contiene artículos, análisis, entrevistas y críticas sobre el compositor Philip Glass. Las entrevistas son muy motivadoras, y cuando leí la pregunta que se formula a los miembros de Circomper, "¿Qué es más importante para ti al componer: la emoción o la técnica?", pensé en compartirles un breve texto sinónimo que plasma las ideas de Glass en cuanto a técnica se refiere( en el peor de los casos, espero que encuentren este texto interesante!).

Philip Glass menciona primero, que la personalidad artística raramente se discute en los centros musicales. Y menciona: "lo que buscamos en un compositor es esa singular personalidad que brote del alma del compositor..." Luego, y a raíz de esta declaración, el entrevistador le pregunta lo siguiente, que transmito literalmente:

- y entonces, ¿dónde está su alma?

(P. G) Esto es lo más interesante. ¿Porqué es que un compositor suena de la manera que lo hace? Fue una de las cosas que aprendí cuando estudié con Nadia Boulanger, quien fue un gran, gran maestra... lo que ella enseñaba era estilo. Estilo es un caso especial de técnica. Técnica es algo general que todos podemos aprender; el estilo que llevamos a una pieza es la manera como usamos la técnica. De esta forma, en un compás de cualquier compositor, uno puede reconocer inmediatamente quienes son y esa predilección por trabajar de cierta manera se vuelve identifcable con la personalidad y alma del compositor.

Lo que también aprendí es que, para empezar, un estilo personal es imposible de lograr sin técnica. El estilo viene de los aspectos más profundos del ser del compositor, y esas son las partes que no podemos realmente desarrollar. Pero podemos crear una oportunidad para que la personalidad se exprese. En una escuela de música estás creando las condiciones para que el alma del compositor emerga. Sin estas condiciones nunca brotará.

En su página web hay otras entrevistas, escritas y en audio, y no dejen de leer algunos chistes alojados en su espacio sobre este importante compositor americano.

Recital de obras peruanas por el Trío Thelema

El Trío Thelema, ensamble belga dedicado a la difusión de música contemporánea, presentará dos conciertos en el marco del New Music & Art Festival que organiza la Univerisdad de Bowling Green.

En su segunda presentación, que sucederá el sábado 21 de octubre de este año, el mencionado trío presentará un programa que estará dividido, en una primera parte, por música contemporánea belga, y una segunda por música de compositores peruanos.


Las obras que serán oídas en dicha velada son:


· "El Norte de Sur", Fernando Fernández . Para clarinete, saxo alto y piano.

· "Tres danzas Episkénicas", Rafael Junchaya . Para clarinete, clarinete bajo, saxo alto, barítono y piano.

· "Imprevisto", Marco Mazzini . Para clarinete solo (grabación disponible aquí).

· "Introverso", Alvaro Zúñiga . Para clarinete, saxo alto y piano.

· "Himno al Sol" . Daniel A. Robles. Versión para clarinete contrabajo, saxo barítono y piano (arr. Marco Mazzini. Audio disponible aquí).


Lo compositores Fernando Fernández, Rafael Junchaya y Alvaro Zúñiga trabajaron directamente con el Trío Thelema durante su última visita a Perú, por motivo de una presentación en el Tercer Festival de Música Contemporánea de Lima en noviembre del 2005. El clarinetista de dicho trío es Marco Antonio Mazzini, también miembro de Circomper.

A cada uno de ellos, felicitaciones por este positivo logro.

¿Donde está la mala música?

La existencia de la mala música pareciera tan incuestionable como la luz del sol. Si pedimos a cualquier persona que nos la señale lo hará sin demora. El problema es que todos los interrogados señalaran en distintas direcciones. Nadie duda de la realidad de la mala música, pero no existe un acuerdo sobre donde se encuentra exactamente. ¿Hay verdaderamente música mala?

Para resolver la cuestión tenemos que dejar de lado nuestro gusto personal. La mala música no puede ser simplemente la música que no nos agrada. Es necesario buscar parámetros objetivos que permitan identificarla. Para encontrar estos parámetros será útil hacer un paralelo con la literatura. Cuando buscamos una buena novela hay varios elementos que nos permiten encontrarla. Un primer elemento es del lenguaje escrito. Un libro lleno de errores gramáticales, que dificultan su lectura, no corresponde a nuestra idea de una buena novela. Necesitamos que la narración fluya para poder disfrutar de ella. Otro elemento es el de la coherencia interna. La narración es una mentira que cuenta con la colaboración del lector, pero dicha colaboración no es incondicional. El lector exige que el engaño sea verosímil. Un tercer elemento es el de la funcionalidad de la novela. El relato debe funcionar correctamente. Donde la intención del escritor sea involucrar al lector, asustarlo, emocionarlo, debe efectivamente suceder así. Y parte de esta funcionalidad es también que la novela cumpla con sus promesas. Un libro que se ofrece a sí mismo como un gran relato de misterio sin serlo realmente es un libro que se deja de lado en muy pronto.

Si trasladamos estos tres elementos a la mala música obtendremos los siguientes requisitos para identificarla:

Está escrita en un lenguaje musical defectuoso - Es música con problemas melódicos, rítmicos, armónicos, instrumentales, de conducción de voces, etc que afectan su fluidez.

Es incoherente - Los elementos que la conforman no guardan relaciones coherentes entre sí.

Es disfuncional - No ocasiona los efectos que el compositor deseaba, no provoca las emociones que pretendía.

Con lo cual solo resta encender la radio y buscar aquella música que contenga por lo menos una de estas características. He realizado la experiencia en varias ocasiones y debo reconocer que, al margen de que haya música que me gusta y otra que no, nunca encontré en la radio una sola pieza de mala música. ¿Cómo es esto posible? ¿Somos los seres humanos infalibles al componer música?

La música que llega a la radio es solo un porcentaje de la música que se produce en nuestro mundo. Para que una pieza llegue a la radio (o a cualquier medio de comunicación masivo) pasa por una serie de filtros, que van desde la gente involucrada en la producción de aquella música, hasta los directivos del medio en cuestión. La de menor calidad se queda en el camino, y nunca oímos hablar de ella.

Pero estos tres requisitos, este identikit de la mala música... me es familiar. Yo conozco música con estas características. Busco entre mis partituras y me encuentro con mis primeros ejercicios de composición. Experimentos. Mala música, por supuesto, pero era necesario escribirla para aprender. Y entonces encuentro mi respuesta. La mala música es aquella que escriben los principiantes. Cuando aprenden, escriben buena música. En general, toda la música que escuchamos es buena.

Beatles en Wiki de Circomper

En cuestión de gustos puede ser difícil encontrar coincidencias entre los músicos, sobre todo si se dedican a distintos géneros músicales. Los Beatles parecen ser una excepción a esta norma, y no solo entre los músicos, sino entre las personas en general. ¿Hay alguna característica concreta en su música que logre esta aceptación general? ¿Se debe aquella más bien a factores comerciales? No puedo ofrecer una respuesta en este momento, pero creo que el análisis musical de algunas de sus composiciones puede ayudar a acercarnos a una respuesta. Por este motivo he iniciado un artículo en el wiki de Circomper llamado "La música de los Beatles". Este artículo incluye espacio para desarrollar el analisis de 4 composiones: Pennylane, Twist and Shout, I am the Walrus y Yesterday. Toda colaboración es bienvenida.

¿Y cómo va el analisis del estudio para piano de Ligeti?

Pues ahí está. A la fecha casi todas las secciones han sido desarrolladas, y si bien el contenido es un tanto disperso y desordenado, creo que ya se puede apreciar información valiosa dentro de él. Pueden darle una mirada en este enlace.

Música de Leonardo Barbuy en el ICPNA

El ICPNA de Miraflores presenta este viernes 14 y sábado 15 un espectáculo llamado Espectazul. Se trata de una propuesta que integra música de Leonardo Barbuy, coreografías de Vania Masías e imágenes de video de Martha Meier. Pueden leer más en esta nota publicada por RPP.

La Computadora Vs. el Piano, el Lápiz y el Papel.

En una esquina una máquina, armada con plástico y software de notación musical. En la otra un noble instrumento musical, portador de una larga tradición y herramienta favorita de los más grandes maestros. Es la confrontación de la computadora y el piano como instrumentos para componer música, y aunque hoy en día nadie renuncia a las comodidades de la edición de partituras por computadora el tema aun es actual.

A favor del piano casi no es necesario decir nada. 500 años de tradición en la música clásica europea pesan a su favor. Todo el repertorio actual de esta música lo convierte en una herramienta de composición probada y fuera de toda duda. En contra de la computadora pesan 3 argumentos.

La computadora te engaña: Los bancos de sonido usados en la computadora promedio no reproducen con exactitud el sonido de los instrumentos musicales. Y aun en el caso de usar bancos de sonido profesionales, estos no incluyen todas las variaciones posibles de articulación, dinámica y técnica instrumental. Como si esto fuera poco, los bancos de sonido suelen estar programados para que cualquier combinación de instrumentos suene equilibrada, por lo cual el balance de los instrumentos no corresponde con la realidad.

La computadora te limita: Las computadoras trabajan sobre parámetros preestablecidos. Por ejemplo, el protocolo MIDI trabaja sobre la base de la división de la octava en 12 tonos, y si bien es posible echar mano de todo tipo de trucos para saltar esta valla, lo fundamental es que el sistema no está diseñado para ello, y cada truco genera problemas que resolver. Las limitaciones no son exclusivamente del protocolo MIDI, sino también del software e inclusive del sistema operativo.

La computadora te mecaniza: En general, la reproducción de una composición realizada por un programa de notación musical se asemeja a la imagen de una licuadora bailando ballet. El software musical ha hecho notables avances últimamente en este punto, pero aun cuando sus soluciones son humanizantes, son en cada ocasión exactamente iguales a sí mismas, lo cual es inhumano de por sí. ¿Qué efecto puede tener en el compositor en formación el acostumbrarse a la interpretación mecánica de su música?

Con lo cual pareciera estar ya probado que la computadora es una herramienta de gran utilidad, pero potencialmente dañina para el estudiante de composición. Sin embargo falta un desarrollar un contraargumento: todo lo dicho anteriormente sobre la computadora se puede decir también sobre el piano. Hagamos la prueba.

El piano te engaña: El piano no puede reproducir con exactitud el sonido de ningún otro instrumento musical. Adicionalmente, las características de los distintos registros del piano son usualmente contrarias a los mismos registros en otros instrumentos. Como si esto fuera poco, se necesita de un pianista profesional para reproducir las diferencias de balance entre distintos instrumentos, y dicho pianista no podría reproducir las diferencias de balance en diseños instrumentales complejos.

El piano te limita: El piano funciona sobre sus propios parámetros preestablecidos. Es imposible en él dividir la octava en más de 12 tonos. Las limitaciones no son exclusivas del instrumento, sino también del grado de entrenamiento al piano que tenga el compositor y de que los compositores solamente tienen dos manos.

El piano te mecaniza: Si bien la reproducción de una composición tocada en un piano es humana de por sí, con el paso del tiempo las manos del compositor se acostumbrarán a repetir determinados movimientos y combinaciones en forma mecánica, y su música puede verse afectada por ello.

Si tanto la computadora como el piano tiene serias limitaciones puede ser que el gran argumento a favor del piano mencionado al principio de este artículo defina la cuestión. Si los grandes compositores pudieron superar las limitaciones del piano, esto quiere decir que son problemas solucionables. ¿Cómo consiguieron Beethoven y Mozart escribir sus sinfonías al piano? Bueno, es que no lo hicieron en el piano. Es decir, seguramente estaban sentados frente a un piano al componer, pero su principal herramienta no era el piano. Las herramientas más importantes de un compositor son su imaginación y su experiencia. La combinación de ambas son lo que le permiten escuchar un acorde en un piano ó una computadora y saber cómo va a sonar en realidad, porque no va a ser igual a lo que él está escuchando, pero su entrenamiento le permite saber, escuchar interiormente. Entonces ¿cual es mejor para componer, la computadora ó el piano? El que cada compositor prefiera. Personalmente prefiero las computadoras. Conozco otros compositores que prefieren el piano. No hay una respuesta única y no importa, porque los argumentos han dado como ganador de esta confrontación al potencial maravilloso del la imaginación humana.